5 films d’animation qui méritent toute votre attention

Comme chacun le sait, l’animation n’est pas (seulement) une affaire d’enfants. Bien loin des clichés ou des récits formatés, certains films animés osent la radicalité visuelle, la profondeur thématique et la poésie dérangeante comme maitres-mots dans leur conception. Voici cinq œuvres d’animation qui méritent le détour, chacune à leur manière, pour leur audace, leur beauté étrange et leur capacité à explorer le monde autrement.

1. La Planète sauvage (René Laloux, 1973) — Une fable cosmique et politique

Film culte de la contre-culture des années 70, La Planète sauvage est né de la collaboration entre le réalisateur René Laloux et l’illustrateur surréaliste Roland Topor. Ce long-métrage franco-tchèque met en scène une humanité réduite en esclavage par des géants bleus à l’intelligence avancée, les Draags, sur une planète lointaine. Les humains, appelés « Oms » (évident homonyme de « hommes »), oscillent entre domestication et rébellion.

Sous ses allures de récit de science-fiction, le film propose une réflexion puissante sur l’oppression, la condition humaine et la relativité des civilisations. L’esthétique, entièrement dessinée à la main, frappe encore aujourd’hui par son étrangeté onirique et sa liberté formelle. Il n’y a pas d’équivalent visuel : c’est une expérience sensorielle totale, portée par une bande son planante qui ajoute à la dimension psychédélique du film d’animation.

Pourquoi le voir ?
Sous son esthétique très étrange, mais néanmoins unique, se cache une intelligence rare pour traiter les questions de domination et de coexistence. Un véritable film politique déguisé en rêve.

2. Le Roi et l’Oiseau (Paul Grimault, 1980) — La poésie au service de la liberté

Inspiré d’un conte de Hans Christian Andersen, La Bergère et le Ramoneur, et coécrit avec Jacques Prévert, poète et scénariste français reconnu, Le Roi et l’Oiseau est un monument de l’animation française. Débuté dans les années 50 mais terminé en 1980, le film est une œuvre de longue haleine, empreinte d’un souffle poétique et d’une satire subtile des régimes autoritaires.

L’histoire, simple en apparence — un roi despotique tombe amoureux d’une bergère qui s’échappe avec un ramoneur, aidée d’un oiseau moqueur — cache, en fait, une allégorie du pouvoir absolu, de l’artifice du spectacle et de la résistance. Le style graphique, influencé par les gravures et les perspectives créées par Maurits Cornelis Escher, crée un monde onirique où l’architecture devient personnage à part entière.

Pourquoi le voir ?
Parce que c’est un conte émancipateur d’une beauté rare, une leçon de cinéma et de liberté, qui ne parle jamais aux enfants avec condescendance, mais les entraîne dans un univers d’intelligence et de rêve. De nombreux thèmes que l’on retrouvera quelques années après chez un certain studio d’animation japonais dont les deux créateurs ont été subjugués par le film. Ces deux créateurs sont Isao Takahata et Hayao Miyazaki ; leur studio, lui, s’appelle Ghibli.

3. Alice (Jan Švankmajer, 1988) — Le cauchemar tactile de l’enfance

Cette fois, on change complètement de registre. Loin des adaptations édulcorées, Alice du cinéaste tchèque Jan Švankmajer s’empare du classique littéraire Alice au Pays des Merveilles de Lewis Carroll pour en faire un conte macabre et dérangeant. Mêlant prises de vues réelles et stop-motion, le film d’animation plonge dans un univers où les objets prennent vie, grincent, claquent, rampent — et où l’enfance est plus inquiétante que merveilleuse.

Švankmajer propose une vision plus désordonnée qu’innocente du voyage d’Alice. La frontière entre le réel et le rêve s’efface dans une mise en scène brute, où tout semble animé d’une pulsion vitale étrange, parfois hostile. Loin d’une fantaisie colorée, le film nous confronte à l’inconscient, au désir, à la peur et à l’absurde, dans une ambiance presque gothique. Une porte ouverte vers l’animation si particulière que nous propose le réalisateur tchèque.

Pourquoi le voir ?
Parce qu’il renouvelle complètement la lecture du conte original, en le rendant organique, physique et profondément subversif. C’est un film qui gratte là où ça dérange. A ne pas mettre sous tous les yeux, certes, mais un excellent complément au film des studios Walt Disney.

4. Valse avec Bachir (Ari Folman, 2008) — Animer la mémoire en éclats

Plus qu’un film d’animation, Valse avec Bachir est un documentaire autobiographique animé, où Ari Folman interroge sa propre amnésie liée à la guerre du Liban, et notamment au massacre de Sabra et Chatila (tuerie commise à l’encontre de réfugiés palestiniens par les phalanges libanaises). Le style graphique, proche de la bande dessinée et du jeu vidéo, donne une dimension onirique à une quête de mémoire douloureuse.

Ce film interroge ce que signifie se souvenir, ce que la guerre fait à la psyché et comment l’animation peut justement figurer l’indicible, le fragmenté, le flou. Le procédé fonctionne à merveille : c’est par l’abstraction de l’animation que le réel devient plus fort encore. Le basculement final, dans des images d’archives, provoque un choc que peu de films égalent.

Pourquoi le voir ?
Parce qu’il montre que l’animation peut être un médium de vérité, un outil de résilience et un geste de mémoire. Rarement la guerre n’aura été représentée avec autant de justesse et d’humanité qu’à travers les yeux et les souvenirs de celui qui l’a vécue de plein fouet.

5. Mary et Max (Adam Elliot, 2009) — Une amitié improbable et bouleversante

Réalisé en stop-motion avec une grande minutie, Mary et Max raconte l’histoire épistolaire entre une fillette australienne mal-aimée et un homme new-yorkais atteint du syndrome d’Asperger. Cette relation, improbable et tendre, se déploie sur plusieurs décennies, dans un monde gris et absurde, mais traversé par des éclats de sincérité bouleversants.

Adam Elliot, réalisateur australien, parvient à conjuguer humour noir, mélancolie, solitude et fragilité humaine, sans jamais tomber dans le pathos. Les personnages sont imparfaits, souvent perdus, mais incroyablement attachants. Le style visuel, très contrasté, caractéristique du réalisateur, participe à cette ambiance douce-amère, entre grotesque et délicatesse.

Pourquoi le voir ?
Parce qu’il parle de la différence et de la souffrance mentale avec une sensibilité rare, et que sous ses airs de film triste se cache une immense tendresse. Une perle d’animation adulte, drôle et profondément émouvante. Pour aller plus loin chez Elliot, ce dernier a sorti récemment Mémoires d’un escargot, œuvre fabuleuse qui a, par ailleurs, gagné le Cristal du long-métrage au festival d’Annecy en 2024.

L’animation, terrain de liberté 

Ces cinq films montrent que l’animation est bien plus qu’une technique : c’est un langage plastique et narratif capable d’explorer l’inconscient, l’histoire, la politique et l’émotion. Chacun à sa manière, ils repoussent les limites de la représentation pour mieux sonder la complexité du réel. Ces œuvres sont des actes de bouillonnement artistique, des invitations à voir autrement. Et c’est pour cela qu’elles méritent, aujourd’hui plus que jamais, d’être (re)découvertes.

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