L’émergence de la chaîne MTV dans les années 80 redéfinit le contexte musical. Les artistes reconnus pour leur voix n’avaient pas accès à la visibilité avant le phénomène de diffusion de clips. Ils se produisent ainsi à travers des mises en scène, des chorégraphies élaborées et des genres musicaux variés : pop, rock, RnB, rap, qui définissent leurs images artistiques. Parmi eux, on y retrouve une certaine Whitney Houston.
Whitney Houston et ses débuts
Le phénomène Whitney Houston arrive comme une nouvelle ère dans cette dynamique en s’imposant comme un modèle de pop culture pour les femmes et également pour les artistes noires peu intégrées dans les codes des clips audiovisuels.
Elle devient alors une icône de ces années MTV en s’imposant par son charisme vocal et scénique, ce qui lui permettra d’entrer dans le monde du 7ᵉ art. De la star sonore à la star audiovisuelle, elle impose dans ses clips une diversité de formes et d’approches digne d’un style cinématographique.
Elle est une artiste complète, par son timbre, par sa complicité avec le public et par ses choix de chansons parlant souvent d’amour. Cependant, cette image lisse et façonnée ne provient pas d’une envie de la star, mais d’une attente médiatique.
En effet, elle rectifie son apparence visuelle et physique dans l’optique de plaire au public « blanc », audience majoritaire de la chaîne. Cette idée vient de la vision que cherche à mettre en avant de son producteur Clive Davis en faisant apparaître Whitney Houston comme une étoile montante de la culture musicale et surtout du genre pop musique de l’époque.
Par ailleurs, durant sa première apparition à la télévision dans laquelle elle apparaît comme la petite protégée de ce dernier, Whitney Houston est habillée de manière très classe, très carrée et son image ne laisse rien passer au hasard. Nous sommes loin de ce qu’elle est réellement : une femme noire bisexuelle et provenant des banlieues du New Jersey. La majorité de ses clips qui suivront illustrent la direction prise par le producteur.
Son premier clip You Give Good Love, sorti en 1985 et en même temps que son premier album intitulé Whitney Houston, parle d’un amour naissant et du réconfort qu’on peut ressentir à travers celui-ci. Il est réalisé de manière à ce que la star soit mise en avant par l’intermédiaire de la lumière, l’espace et les choix artistiques.
Son premier album regorge de tubes planétaires comme Saving All My Love for You ou encore Greatest Love of All, tubes qui lui permettent de s’imposer dans le monde musical. Sa reprise de la chanson enregistrée à l’origine par Georges Benson en 1977 devient immortelle et c’est cette dernière qui retient l’attention du public.
Elle s’impose comme une diva ayant sa place dans ce monde artistique et affirme le chemin qu’elle prend face aux normes imposées. Avant d’aimer, il faut s’aimer soi-même. C’est ce qu’elle retranscrit dans ses dires et également dans sa mise en scène où l’on peut voir, à travers des flashbacks, ses débuts sur scène.
Elle y apparaît enfant aux côtés de sa mère Cissy Houston, elle aussi chanteuse et très croyante. De même, Whitney incarne une jeune femme ambitieuse, en quête d’un succès par la foi de soi mais aussi de celle de Dieu. Elle en devient une source d’inspiration par ses principes et ses croyances.
Une artiste au naturel adulée par le public
Néanmoins, malgré sa force de persuasion, à la fois sur l’aspect vocal et sur l’aspect artistique, les clips de Whitney n’ont pas pu être diffusés sur MTV. La chaîne était principalement centrée autour du rock et elle ne projetait à l’écran que des artistes blancs à l’instar de Madonna, icône visuelle de la décennie.
Il faudra attendre son ouverture à d’autres variétés musicales pour que cela change. C’est surtout grâce à l’apparition d’artistes noirs sur la chaîne et notamment grâce à Michael Jackson, premier artiste noir à être diffusé sur MTV, que Whitney devient l’une des premières chanteuses noires à gagner le cœur des spectateurs avec son tube How Will I Know .
En effet, comme le faisaient plusieurs artistes pop dans leurs clips, Whitney Houston nourrit les siens d’un style typique des années 80 avec des décors et des costumes colorés, des coiffures et des maquillages extravagants et une mise en lumière de sa puissance vocale mainstream.
Pour autant, elle n’est pas sexualisée dans ses clips en gardant une image sage et sans artifices face à la caméra, ce qui la différencie du modèle d’icône que représentait Madonna à ce moment-là. Ce tournant dans sa carrière lui permet de casser les barrières raciales et culturelles qui n’avaient pas encore cédé à l’époque.
Elle enchaîne avec son clip sorti en 1987 I Wanna Dance with Somebody en suivant les mêmes directions artistiques que How Will I Know . Il repose sur une mise en scène volontairement simple mais très efficace. Son attitude est centrale dans le message du clip. Elle danse librement, sourit, s’amuse, sans chorégraphie complexe ni sexualisation appuyée. Cette spontanéité renforce l’image d’une artiste accessible et proche du public, loin d’une figure provocatrice ou distante.
Contrairement à d’autres stars pop de la même période, Whitney ne joue pas un rôle mais incarne plutôt une joie naturelle, presque naïve, qui correspond parfaitement à l’esprit de la chanson. Ainsi, ce clip marque une étape clé dans la carrière de Whitney Houston.
Pensé pour MTV, il la positionne définitivement comme une superstar pop mainstream, capable de rassembler un public très large. Par son énergie positive et son universalité, le clip devient une image emblématique des eighties et contribue à installer Whitney Houston comme une icône intemporelle, définie avant tout par sa générosité et sa voix gospel-soul.
Une artiste engagée
Whitney s’engage tout le long de sa carrière à aborder des thèmes plus prenants et qui rassemblent humainement les gens. En d’autres termes, avec son clip My Love Is Your Love, elle contribue à transmettre un message poignant sur la précarité dans les quartiers urbains populaires. Elle fait apparaître à l’image des personnes de tout âge, origine et style de vie différent. Cette proximité visuelle casse l’image de la diva intouchable et ancre la chanson dans une humanité concrète, faite de diversité, de vie quotidienne et de simplicité.
Le message central de ce clip s’accentue par une forme d’unité et d’amour comme forme de résistance. La chanson parle d’un amour indestructible et le clip élargit ce sens à l’échelle collective : malgré les différences, les difficultés sociales, les blessures visibles ou invisibles des personnes, l’amour circule et relie les êtres.
C’est là que l’on peut faire le parallèle avec les clips de Michael Jackson. Avec Heal the World, Man in the Mirror ou Black or White, on retrouve la même idée, celle d’une humanité multiple mais profondément liée sentimentalement parlant. Mais contrairement à They Don’t Care About Us ou Earth Song, il n’y a pas de colère explicite ni de dénonciation directe.
Whitney Houston propose plutôt une réponse émotionnelle face aux fractures sociales et à l’exclusion ou à la souffrance. L’amour devient donc un refuge face à ce mal-être. C’est une vision moins politique en apparence, mais profondément humaniste. L’image médiatique de Whitney va au-delà d’une simple musicalité.
De l’industrie musicale au cinéma
Dans les années 90, la star fait face à une notoriété qui ne laisse pas le réalisateur Mick Jackson indifférent, en pleine production de son film Bodyguard. La chanteuse est choisie pour interpréter le rôle de Rachel Marron, superstar de la pop qui fait face à un public de fans ahurissants. Elle joue aux côtés de Kevin Costner, qui a lui-même demandé à ce que ce soit Whitney Houston qui l’accompagne.
Le scénario du film tourne autour des deux protagonistes qui vivent une histoire d’amour. Lui devient son garde du corps et entre amour, chansons et mise en scène, le réalisateur réussit à amplifier davantage la popularité de la chanteuse à l’échelle internationale. Le film fonctionne comme un dispositif de mise en valeur de la star en prolongeant au cinéma une image déjà construite par la télévision et le dispositif MTV.
Le film ne cherche pas à transformer Whitney Houston en actrice au sens propre. Il adapte dans le langage cinématographique une personne déjà médiatiquement fondée sur la reconnaissance immédiate par le biais de sa tessiture de voix et de son physique reconnaissable.
Le personnage qu’elle incarne est d’emblée représentée comme une star ayant de la notoriété. La mise en scène privilégie ainsi des procédés visuels proches de ceux du clip musical, avec des cadrages rapprochés, une lumière contrôlée et une attention constante portée aux expressions du visage. Tous ces aspects accentuent la dramaturgie et l’intention retranscrite. La musique devient un moteur narratif à part entière, exprimant les tensions émotionnelles que le récit verbalise peu.
La scène de I Will Always Love You constitue, à ce titre, un moment de rupture marqué par un silence et par une immobilité corporelle qui isole la voix et transforme la performance en événement dramatique. Cette séquence trouve un prolongement direct dans le clip diffusé sur MTV car en y mêlant des images du film et des plans autonomes de la chanteuse, une frontière est franchie entre l’objet cinématographique et l’objet musical.
La simple figure musicale que représente Whitney n’existe plus et on assiste à une liaison des deux arts : la musique et le cinéma. Cette alliance constante atteint un point culminant et illustre la manière dont Whitney Houston s’inscrit au sein d’une culture audiovisuelle variée.
Whitney Houston incarne ainsi un modèle de star pensé pour l’image, capable de naviguer avec aisance entre la musique, la télévision et le cinéma durant l’ère MTV. Par son charisme, sa voix exceptionnelle et la maîtrise de son image, elle dépasse les barrières raciales et culturelles de son époque, tout en proposant une vision de la célébrité accessible, positive et profondément humaniste à son public.
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Première apparition télévisuelle de Whitney Houston (1983)
Sources :
